Amerikaanse kunstenaars. 7 meesters die de wereld verrasten

Amerikaanse artiesten zijn zeer divers. Iemand was duidelijk een kosmopoliet, zoals Sargent. Hij is van oorsprong Amerikaan, maar woont al bijna zijn hele volwassen leven in Londen en Parijs.

Er zijn ook authentieke Amerikanen onder hen, die het leven van alleen hun landgenoten, zoals Rockwell, in beeld brachten.

En er zijn artiesten die niet van deze wereld zijn, zoals Pollock. Of degenen wiens kunst een product is geworden van de consumptiemaatschappij. Dit gaat natuurlijk over Warhol.

Het zijn echter allemaal Amerikanen. Vrijheidslievend, gedurfd, helder. Lees hieronder ongeveer zeven van hen.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler is nauwelijks een echte Amerikaan te noemen. Toen hij opgroeide, woonde hij in Europa. En hij bracht zijn jeugd helemaal door ... in Rusland. Zijn vader bouwde een spoorlijn in St. Petersburg.

Daar werd de jongen James verliefd op kunst en bezocht hij de Hermitage en Peterhof dankzij de connecties van zijn vader (toen waren het nog paleizen die gesloten waren voor het publiek).

Waarom is Whistler beroemd? In welke stijl hij ook schildert, van realisme tot tonalisme*, hij is vrijwel direct te herkennen aan twee kenmerken. Ongebruikelijke kleuren en muzikale namen.

Sommige van zijn portretten zijn imitaties van oude meesters. Zoals bijvoorbeeld zijn beroemde portret "The Artist's Mother".

De kunstenaar heeft geweldig werk gemaakt met kleuren variërend van lichtgrijs tot donkergrijs. En wat geel.

Maar dit betekent niet dat Whistler van zulke kleuren hield. Hij was een buitengewoon persoon. Hij zou gemakkelijk in de samenleving kunnen verschijnen in gele sokken en met een felle paraplu. En dit is wanneer mannen zich uitsluitend in zwart en grijs kleden.

Hij heeft ook veel lichtere werken dan "Moeder". Symfonie in het wit bijvoorbeeld. Dus de foto werd genoemd door een van de journalisten op de tentoonstelling. Whistler vond het een goed idee. Sindsdien noemde hij bijna al zijn werken muzikaal.

Maar toen, in 1862, hield het publiek niet van de symfonie. Nogmaals, vanwege de eigenzinnige kleurenschema's van Whistler. Mensen vonden het vreemd om een ​​vrouw in het wit op een witte achtergrond te schrijven.

Op de foto zien we de roodharige minnares van Whistler. Helemaal in de geest van de prerafaëlieten. De kunstenaar was toen immers bevriend met een van de belangrijkste initiatiefnemers van het prerafaëlisme, Gabriel Rossetti. Schoonheid, lelies, ongebruikelijke elementen (wolvenhuid). Alles is zoals het zou moeten zijn.

Maar Whistler stapte snel weg van het prerafaëlisme. Omdat het niet uiterlijke schoonheid was die belangrijk voor hem was, maar stemming en emoties. En hij creëerde een nieuwe richting - tonalisme.

Zijn nachtelijke landschappen in de stijl van het tonalisme lijken echt op muziek. Monochroom, stroperig.

Whistler zei zelf dat muzikale namen helpen om zich te concentreren op het schilderij zelf, lijnen en kleur. Tegelijkertijd zonder na te denken over de plek en de mensen die afgebeeld worden.

Tonalisme, maar ook dichtbij impressionisme, halverwege de 19e eeuw was ook het publiek niet onder de indruk. Te ver verwijderd van het destijds populaire realisme.

Maar Whistler zal tijd hebben om op erkenning te wachten. Tegen het einde van zijn leven zal zijn werk gewillig worden gekocht.

2. Maria Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt werd geboren in een rijke familie. Ze kon een zorgeloos leven leiden. Trouwen en kinderen krijgen. Maar ze koos een andere weg. Hij heeft zichzelf een gelofte van celibaat gegeven omwille van het schilderen.

Ze was bevriend met Edgar Degas. Woensdag gekregen impressionisten, voor altijd meegesleept door deze richting. En haar "Meisje in een blauwe fauteuil" is het eerste impressionistische werk dat het publiek zag.

Maar niemand hield echt van de foto. In de 19e eeuw werden kinderen afgebeeld als gehoorzaam zittende engeltjes, met gekrulde krullen en roze wangen. En hier is een kind dat zich duidelijk verveelt en in een te ontspannen houding zit.

Maar het was Mary Cassatt, die nooit haar eigen kinderen heeft gehad, die bijna de eerste was die ze zo natuurlijk afbeeldde als ze zijn.

Voor die tijd had Cassatt een ernstige "fout". Ze was een vrouw. Ze kon het zich niet veroorloven om alleen naar het park te gaan om naar de natuur te schilderen. Vooral om naar een café te gaan waar andere artiesten samenkwamen. Alle mannen! Wat bleef er voor haar over?

Schrijf monotone theekransjes voor vrouwen in woonkamers met marmeren open haarden en dure theeserviezen. Het leven is afgemeten en eindeloos saai.

Mary Cassatt wachtte niet op erkenning. Aanvankelijk werd ze afgewezen vanwege haar impressionisme en zogenaamd onvoltooide schilderijen. Toen, al in de 20e eeuw, was het sterk "verouderd", aangezien Art Nouveau in de mode was (Klimt) en fauvisme (Matisse).

Maar ze bleef tot het einde trouw aan haar stijl. Impressionisme. Zacht pastel. Moeders met kinderen.

Cassatt verliet het moederschap om te kunnen schilderen. Maar haar vrouwelijkheid kwam steeds meer tot uiting in zulke delicate werken als Sleeping Child. Het is jammer dat een conservatieve samenleving haar ooit voor zo'n keuze heeft geplaatst.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent was er zeker van dat hij zijn hele leven portretschilder zou blijven. Carrière ging goed. Aristocraten stonden in de rij om hem te bevelen.

Maar ooit ging de kunstenaar naar de mening van de samenleving over de schreef. Het is nu moeilijk voor ons om te begrijpen wat er zo onaanvaardbaar is in de film "Madame X".

Toegegeven, in de originele versie had de heldin een van de bralettes weggelaten. Sargent heeft haar "opgevoed", maar dit hielp de zaak niet. Bestellingen zijn op niets uitgelopen.

Welke obscene zag het publiek? En het feit dat Sargent het model in een overmoedige houding afbeeldde. Bovendien zijn een doorschijnende huid en een roze oor erg welsprekend.

De foto zegt als het ware dat deze vrouw met verhoogde seksualiteit niet vies is van het accepteren van de verkering van andere mannen. Bovendien getrouwd zijn.

Helaas zagen tijdgenoten achter dit schandaal het meesterwerk niet. Donkere jurk, lichte huid, dynamische pose - een eenvoudige combinatie die alleen kan worden gevonden door de meest getalenteerde meesters.

Maar er is geen kwaad zonder goed. Sargent kreeg in ruil daarvoor vrijheid. Hij begon meer te experimenteren met het impressionisme. Schrijf kinderen in directe situaties. Dit is hoe het werk "Anjer, Lily, Lily, Rose" verscheen.

Sargent wilde een specifiek schemermoment vastleggen. Dus ik werkte maar 2 minuten per dag als de verlichting goed was. Zomer en herfst gewerkt. En toen de bloemen verwelkten, verving hij ze door kunstmatige.

In de afgelopen decennia kreeg Sargent zo de smaak van vrijheid te pakken dat hij portretten helemaal begon te verlaten. Hoewel zijn reputatie al is hersteld. Hij ontsloeg zelfs een klant grof en zei dat hij haar poort met veel plezier zou schilderen dan haar gezicht.

Tijdgenoten behandelden Sargent met ironie. Gezien het achterhaald in het tijdperk van het modernisme. Maar de tijd heeft alles op zijn plaats gezet.

Nu is zijn werk niet minder waard dan het werk van de beroemdste modernisten. Nou, laat staan ​​de liefde van het publiek en zeg niets. Exposities met zijn werk zijn altijd uitverkocht.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Het is moeilijk om tijdens zijn leven een populairdere artiest voor te stellen dan Norman Rockwell. Verschillende generaties Amerikanen groeiden op met zijn illustraties. Ik hou van ze met heel mijn hart.

Rockwell portretteerde tenslotte gewone Amerikanen. Maar tegelijkertijd hun leven van de meest positieve kant laten zien. Rockwell wilde geen slechte vaders of onverschillige moeders laten zien. En je zult geen ongelukkige kinderen met hem ontmoeten.

Zijn werken zitten vol humor, sappige kleuren en zeer vakkundig vastgelegde uitingen uit het leven.

Maar het is een illusie dat het werk gemakkelijk aan Rockwell werd gegeven. Om één schilderij te maken, zou hij eerst tot honderd foto's maken met zijn modellen om de juiste gebaren vast te leggen.

Het werk van Rockwell heeft een enorme impact gehad op de hoofden van miljoenen Amerikanen. Hij sprak tenslotte vaak met behulp van zijn schilderijen.

Tijdens de Tweede Wereldoorlog besloot hij te laten zien waar de soldaten van zijn land voor vochten. Na onder andere het schilderij "Freedom from Want" te hebben gemaakt. In de vorm van Thanksgiving, waarop alle gezinsleden, goed gevoed en tevreden, genieten van de gezinsvakantie.

Na 50 jaar bij de Saturday Evening Post stapte Rockwell over naar het meer democratische tijdschrift Look, waar hij zijn mening over sociale kwesties kon uiten.

Het helderste werk van die jaren is "The Problem We Live With".

Dit is het waargebeurde verhaal van een zwart meisje dat naar een blanke school ging. Sinds er een wet is aangenomen dat mensen (en dus onderwijsinstellingen) niet langer langs raciale lijnen verdeeld mogen worden.

Maar de woede van de bewoners kende geen grenzen. Op weg naar school werd het meisje bewaakt door de politie. Hier is zo'n "routinematig" moment en liet Rockwell zien.

Als je het leven van Amerikanen in een enigszins verfraaid licht wilt leren kennen (zoals ze het zelf wilden zien), kijk dan zeker naar de schilderijen van Rockwell.

Van alle schilders die in dit artikel worden gepresenteerd, is Rockwell misschien wel de meest Amerikaanse kunstenaar.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

In tegenstelling tot Rockwell was Wyeth niet zo positief. Hij was van nature een kluizenaar en probeerde niets te verfraaien. Integendeel, hij beeldde de meest gewone landschappen en onopvallende dingen af. Gewoon een tarweveld, gewoon een houten huis. Maar hij slaagde er zelfs in om er iets magisch in te gluren.

Zijn bekendste werk is Christina's World. Wyeth toonde het lot van één vrouw, zijn buurvrouw. Ze was van kinds af aan verlamd en kroop rond in het gebied rond haar boerderij.

Er is dus niets romantisch aan deze foto, zoals het in eerste instantie lijkt. Als je goed kijkt, is de vrouw pijnlijk dun. En wetende dat de benen van de heldin verlamd zijn, begrijp je met droefheid hoe ver ze nog ver van huis is.

Op het eerste gezicht schreef Wyeth het meest alledaagse. Hier is het oude raam van het oude huis. Een armoedig gordijn dat al in flarden begint te veranderen. Buiten het raam verduistert het bos.

Maar er zit een mysterie in dit alles. Een andere look.

Zo kunnen kinderen met een blik zonder ogen naar de wereld kijken. Wyatt ook. En wij zijn bij hem.

Alle zaken van Wyeth werden afgehandeld door zijn vrouw. Ze was een goede organisator. Zij was het die contact opnam met musea en verzamelaars.

Er was weinig romantiek in hun relatie. De muziek moest verschijnen. En ze werd een simpele, maar met een buitengewone uitstraling Helga. Dat zien we in veel werken terug.

Het lijkt erop dat we alleen een fotografisch beeld van een vrouw zien. Maar om de een of andere reden is het moeilijk om ervan los te komen. Haar ogen zijn te complex, haar schouders gespannen. We zijn als het ware intern met haar aan het spannen. Moeite om een ​​verklaring te vinden voor deze spanning.

Door de werkelijkheid in elk detail weer te geven, schonk Wyeth haar op magische wijze emoties die niet onverschillig kunnen blijven.

De kunstenaar werd lange tijd niet herkend. Met zijn realisme, zij het magisch, paste hij niet in de modernistische stromingen van de 20e eeuw.

Toen museummedewerkers zijn werken kochten, probeerden ze dat stilletjes te doen, zonder de aandacht te trekken. Tentoonstellingen werden zelden georganiseerd. Maar tot afgunst van de modernisten zijn ze altijd een doorslaand succes geweest. Mensen kwamen massaal. En ze komen nog steeds.

Lees over de artiest bij het artikel Christine's wereld. Andrew Wyeths meesterwerk."

6.Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock is onmogelijk te negeren. Hij overschreed een bepaalde grens in de kunst, waarna schilderen niet meer hetzelfde kon zijn. Hij liet zien dat je in de kunst in het algemeen zonder grenzen kunt. Toen ik het canvas op de grond legde en het met verf bespatte.

En deze Amerikaanse kunstenaar begon met het abstractionisme, waarin het figuratieve nog terug te vinden is. In zijn werk uit de jaren 40 "Shorthand Figure" zien we de contouren van zowel het gezicht als de handen. En zelfs voor ons begrijpelijke symbolen in de vorm van kruisjes en nullen.

Zijn werk werd geprezen, maar ze hadden geen haast om te kopen. Hij was zo arm als een kerkmuis. En hij dronk schaamteloos. Ondanks een gelukkig huwelijk. Zijn vrouw bewonderde zijn talent en deed alles voor het succes van haar man.

Maar Pollock was oorspronkelijk een gebroken persoonlijkheid. Vanaf zijn jeugd was uit zijn daden duidelijk dat een vroege dood zijn lot was.

Deze gebrokenheid als resultaat zal hem op 44-jarige leeftijd tot de dood leiden. Maar hij zal tijd hebben om een ​​revolutie in de kunst te maken en beroemd te worden.

En dat deed hij in een periode van twee jaar nuchterheid. Hij was in staat om vruchtbaar te werken in 1950-1952. Hij experimenteerde lang totdat hij bij de druppeltechniek kwam.

Hij legde een enorm canvas op de vloer van zijn schuur en liep eromheen, als het ware op de foto zelf. En verf gespoten of gewoon gegoten.

Deze ongewone schilderijen werden vrijwillig van hem gekocht vanwege hun ongelooflijke originaliteit en nieuwheid.

Pollock was verbluft door roem en viel in een depressie, niet wetend waar hij heen moest. De dodelijke mix van alcohol en depressie liet hem geen overlevingskans. Een keer kroop hij heel dronken achter het stuur. Laatste keer.

7.Andy Warhol (1928-1987)

Alleen in een land met zo'n consumptiecultus als Amerika kon popart ontstaan. En de belangrijkste initiatiefnemer was natuurlijk Andy Warhol.

Hij werd beroemd omdat hij de meest gewone dingen nam en er een kunstwerk van maakte. Dat is wat er gebeurde met Campbell's soepblik.

De keuze was niet toevallig. De moeder van Warhol voedde haar zoon meer dan 20 jaar lang elke dag met deze soep. Zelfs toen hij naar New York verhuisde en zijn moeder meenam.

Na dit experiment raakte Warhol geïnteresseerd in zeefdruk. Sindsdien heeft hij foto's gemaakt van popsterren en deze in verschillende kleuren geschilderd.

Zo verscheen zijn beroemde geschilderde Marilyn Monroe.

Er werden talloze van dergelijke Marilyn-zuurkleuren geproduceerd. Art Warhol op gang gebracht. Zoals verwacht in een consumptiemaatschappij.

Geverfde gezichten zijn niet voor niets door Warhol uitgevonden. En nogmaals, niet zonder de invloed van de moeder. Als kind, tijdens een langdurige ziekte van haar zoon, sleepte ze hem pakken kleurboeken mee.

Deze jeugdhobby groeide uit tot iets dat zijn visitekaartje werd en hem fabelachtig rijk maakte.

Hij schilderde niet alleen popsterren, maar ook de meesterwerken van zijn voorgangers. Ik heb het en "Venus" Botticelli.

Venus heeft, net als Marilyn, veel gedaan. De exclusiviteit van een kunstwerk wordt door Warhol tot poeder 'uitgewist'. Waarom deed de kunstenaar dit?

Om oude meesterwerken populair te maken? Of, omgekeerd, proberen ze te devalueren? Popsterren vereeuwigen? Of de dood opfleuren met ironie?

Zijn geschilderde werken van Madonna, Elvis Presley of Lenin zijn soms herkenbaarder dan de originele foto's.

Maar de meesterwerken zullen waarschijnlijk niet worden overschaduwd. Toch blijft de oorspronkelijke "Venus" van onschatbare waarde.

Warhol was een fervent feestganger en trok veel verschoppelingen aan. Drugsverslaafden, mislukte acteurs of gewoon onevenwichtige persoonlijkheden. Een daarvan heeft hem ooit neergeschoten.

Warhol heeft het overleefd. Maar 20 jaar later, als gevolg van de gevolgen van een wond die hij ooit had opgelopen, stierf hij alleen in zijn appartement.

Amerikaanse smeltkroes

Ondanks de korte geschiedenis van de Amerikaanse kunst is het aanbod groot. Onder Amerikaanse kunstenaars zijn er impressionisten (Sargent), en magisch realisten (Wyeth), en abstracte expressionisten (Pollock), en pioniers van de pop-art (Warhol).

Nou, Amerikanen houden van keuzevrijheid in alles. Honderden denominaties. Honderden naties. Honderden art direction. Daarom is hij de smeltkroes van de Verenigde Staten van Amerika.

* Tonalisme - monochrome landschappen van grijze, blauwe of bruine tinten, wanneer het beeld als in een mist is. Tonalisme wordt beschouwd als een uitloper van het impressionisme, omdat het de indruk van de kunstenaar weergeeft van wat hij zag.

***

Reacties andere lezers zie hieronder. Ze zijn vaak een goede aanvulling op een artikel. U kunt ook uw mening geven over het schilderij en de kunstenaar, en de auteur een vraag stellen.

Engelse versie van het artikel