Kunstarchief Uitgelichte kunstenaar: Ann Kullaf

Maak kennis met de kunstenaar uit het kunstarchief. Als schilder van visueel aantrekkelijke stillevens en landschappen streeft Anne ernaar meer te illustreren dan op het eerste gezicht lijkt. Haar dynamische stijl boeit kijkers, waardoor ze twee keer naar gewone scènes en objecten kijken.

Deze passie drijft haar werk en voedt op haar beurt haar vooraanstaande onderwijscarrière en populaire sociale media-accounts. Van het promoten van haar workshops op het laatste moment tot het demonstreren van haar technieken, Anne laat op meesterlijke wijze zien hoe lesgeven en sociale media een aanvulling vormen op de kunstbedrijfsstrategie.

In de overtuiging dat het verkopen van kunst nog maar het begin is, deelt ze haar marketingtips voor sociale media en wat ze haar leerlingen leert over kunstenaarschap buiten school.

Meer werk van Anna zien? Bezoek haar.

Stap binnen (en buiten) een kunstenaarsatelier.

1. UW WERKEN ZIJN VOORAL STILLEVEN EN LANDSCHAPPEN. WAT INSPIREERT JE AAN DEZE ONDERWERPEN EN HOE BEN JE ER OP GERICHT?

Ik vind dingen visueel interessant die misschien geen visuele betekenis hebben. Ik kijk met een abstracte blik naar de wereld. Ik werk op dezelfde manier, ongeacht het onderwerp. Omdat ik liever naar het leven teken dan naar foto's, kies ik vaak een stilleven als onderwerp. Ik gebruik stillevens ook als middel om mijn studenten het belang van directe observatie (levensmatig werken) te leren als middel om een ​​geoefend oog te ontwikkelen.

Ik kijk naar wat ik uit elk item kan halen, niet alleen naar wat het is. Ik wil iets creëren dat prettig is om naar te kijken; iets spontaans, levendigs, dat het oog veel laat bewegen. Ik wil dat de kijker er vaker naar kijkt. Ik wil dat mijn werk meer laat zien dan wat het is.

Ik teken al sinds ik een kind was, heb kunst gestudeerd aan de universiteit en heb de dingen altijd vanuit een puur visueel perspectief bekeken. Ik zoek naar interessante vormen, belichting en alles waardoor ik het onderwerp nog een keer wil bekijken. Dit is wat ik teken. Ze zijn misschien niet uniek of noodzakelijkerwijs mooi, maar ik probeer te laten zien wat ik erin zie wat ze uniek voor mij maakt.

2. JE WERKT IN VERSCHILLENDE MATERIALEN (AQUAREL, VERF, ACRYL, OLIE, ENZ.), WAARDOOR JE JE KUNST REALISTISCH EN IMPRESSIONISTISCH KUNT MAKEN. WELKE PRODUCTEN GEBRUIK JE FAVORIET EN WAAROM?

Ik hou van alle omgevingen voor verschillende toepassingen en om verschillende redenen. Ik hou van aquarel als het om expressie gaat. Ik vind het leuk om het idee goed te krijgen en vervolgens kleur, textuur en penseelstreken te gebruiken om het naar een hoger niveau te tillen.

Waterverf is zo onvoorspelbaar en zo vloeiend. Ik bekijk het graag als een reeks reacties terwijl ik elke streek opschrijf. In tegenstelling tot de meeste aquarellisten schilder ik mijn onderwerp niet eerst met potlood. Ik beweeg de verf rond om de afbeeldingen te creëren die ik wil. Ik gebruik ook geen aquareltechnieken; ik schilder met een penseel – soms monochromatisch, soms in kleur. Het gaat erom het onderwerp op papier te tekenen, maar tegelijkertijd aandacht te hebben voor wat het medium doet.

Hoe je verf op het doek of papier aanbrengt, is net zo belangrijk, zo niet belangrijker, dan het onderwerp. Ik denk dat een kunstenaar moet beginnen met een goede structuur in termen van samenhangende tekening en compositie, maar hij moet meer naar voren brengen en de kijker laten zien hoe hij het onderwerp moet waarnemen.

Wat iets uniek maakt, wat ervoor zorgt dat je ernaar wilt kijken, is ongrijpbaar. Het gaat meer om het gebaar en het moment dan om de kleine, minutieuze details. Het is dit hele idee van spontaniteit, licht en vibratie dat ik in mijn werk wil doordringen.

3. HOE ZOU JE JE METHODEN OMSCHRIJVEN ALS KUNSTENAAR? WERK JE LIEVER IN DE STUDIO OF BEN JE BUITEN?

Het liefst werk ik waar mogelijk altijd vanuit het leven. Als ik binnen ben, zet ik een stilleven neer. Ik schilder absoluut stillevens naar het leven omdat je meer ziet. Dit is een grotere uitdaging en traint het oog om te zien waar je naar kijkt. Hoe meer je uit het leven haalt, hoe meer diepgang je bereikt en een betere tekenaar wordt.

Omdat ik graag buiten werk, werk ik graag op locatie. Als ik binnen ben, schets ik mijn stuk meestal op basis van onderzoek ter plaatse, gecombineerd met een paar zeer snelle foto's. Maar ik vertrouw meer op onderzoek dan op foto's; foto's zijn slechts een startpunt. Ze zijn plat en het heeft geen zin om daar te zijn. Als ik aan een groot stuk werk, kan ik er niet bij zijn, maar ik schets in mijn schetsboek – ik hou van aquarelschetsen – en neem ze mee naar mijn atelier.

Tekenen naar het leven is erg belangrijk, vooral voor degenen die net beginnen met tekenen. Als je al heel lang tekent, heb je genoeg ervaring om een ​​foto te maken en er iets meer van te maken. Een aspirant-kunstenaar gaat voor een kopie. Ik keur het werken vanaf foto's niet goed en vind dat kunstenaars het woord 'kopiëren' uit hun vocabulaire moeten verwijderen. Foto's zijn slechts een startpunt.

4 WAT GEHEUGENBARE ANTWOORDEN HEBBEN HEB JE JE WERK?

Ik hoor mensen vaak zeggen: "Wauw, het is zo levend, het is zo helder, het heeft echte energie." Mensen zeggen over mijn stadsgezichten: “Ik zou zo het schilderij binnen kunnen lopen.” Dergelijke antwoorden maken mij erg blij. Dat is eigenlijk wat ik met mijn werk wil zeggen.

De verhalen zijn zeer levendig en vol energie; de ​​kijker moet ze willen ontdekken. Ik wil niet dat mijn werk statisch aanvoelt, ik wil niet dat het op een foto lijkt. Ik wil horen dat er ‘zoveel beweging’ in zit. Als je je ervan verwijdert, vormt het een beeld. Als je goed kijkt, is het een mengsel van kleuren. Wanneer je de waarden en kleur op de juiste plaatsen hebt, gebeurt daar de magie. Dat is wat schilderen is.

Voor deze slimme kunsttips (of bladwijzerknoppen) heb je een notitieblok en een potlood nodig.

5. JE HEBT EEN UITSTEKENDE BLOG, MEER DAN 1,000 ABONNEES OP INSTAGRAM EN MEER DAN 3,500 FANS OP FACEBOOK. WAT BEÏNVLOEDT UW POSTS ELKE WEEK EN HOE HEEFT SOCIALE MEDIA UW KUNSTBEDRIJF HELPEN OM TE GROEIEN?

Ik scheid mijn lesgeven niet van mijn kunstbedrijf. Ik zie het als onderdeel van wat ik doe. Een deel van mijn inkomen haal ik uit cursussen en masterclasses, het andere deel uit schilderijen. Deze combinatie vormt mijn kunstbedrijf. Ik gebruik sociale media om de bekendheid van mijn werk te vergroten, mensen er kennis mee te laten maken en potentiële studenten aan te trekken.

Als ik nog een of twee mensen nodig heb om mijn workshops te vullen, plaats ik een bericht op Facebook. Meestal trek ik mensen aan omdat ik post over de onderwerpen die in de klas worden onderwezen. Er komen ook mensen naar shows die potentiële verzamelaars zijn, dus ik richt mijn berichten op hun regio en er komen mensen. Hierdoor komen mensen die ik niet ken in mijn omgeving terecht en het helpt zeker om de bekendheid van mijn werk te vergroten.

Ik heb zoveel berichten op sociale media, omdat ik elke keer dat ik een demo doe, deze post. Hierdoor krijgen andere kunstenaars en toekomstige studenten een idee van wat ik doceer, hoe ik vakken benader en hoeveel werk er in zit om een ​​meester te worden.

Veel nieuwelingen willen graag een niveau bereiken waarop ze weten wat ze doen. Ze vragen wanneer ze klaar zijn om in de galerie te exposeren. Het kost veel tijd en constante inspanning om een ​​oeuvre te creëren voordat je galerietentoonstellingen overweegt. Ik zie hoeveel werk en moeite het echt kost.

Ik post ook inhoud die leerzaam is voor andere artiesten die naar een hoger niveau proberen te komen. Dit wijst hen in de goede richting en zorgt ervoor dat ze geïnteresseerd raken om met mij samen te werken in een toekomstige klas.

Het is erg belangrijk voor mij om mijn blogposts authentiek en positief te houden. Er zijn veel dingen die niet belangrijk zijn voor beginnende kunstenaars, dus ik wil deze kunstenaars de basis meegeven.

6. JE BENT EEN FACULTEIT VAN HET NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, HET HUNTERDON ART MUSEUM EN HET CENTRUM VOOR HEDENDAAGSE KUNST. HOE PAST DIT BIJ UW KUNSTBEDRIJF?

Ik geef altijd demonstraties en beschouw lesgeven als onderdeel van mijn kunstbedrijf. Sommige van mijn beste tekeningen komen uit demonstraties als ik les geef aan studenten.

Ik hou ervan om te demonstreren. Ik wil leerlingen graag vaardigheden aanreiken die ze zelf kunnen gebruiken. Je haalt meer uit je lessen als de nadruk ligt op leren in plaats van op individuele tijd in de studio.

Ik gebruik mijn eigen werk als voorbeeld. Ik neem studenten mee op reis. Ik begin elke les met een demonstratie. Ik heb altijd een concept dat ik in een demo benadruk, zoals complementaire kleuren, perspectief of compositie.

Ik geef ook veel plein air workshops, dus ik combineer een workshop met een paar dagen schilderen. Deze zomer geef ik pastel- en aquarelles in Aspen. Ik zal het onderzoek gebruiken als ik terugkom voor grotere projecten.

Ik kan praten en tekenen tegelijk, het brengt mij echt niet in de war. Ik denk dat sommige mensen hier problemen mee hebben. Het is belangrijk dat uw demonstratie zinvol is. Praat erover en houd het in gedachten om gefocust te blijven. Zorg ervoor dat dit een heel belangrijk punt is in wat u doet. Als ik aan een opdracht werk, doe ik dat uiteraard niet tijdens de les. Ik heb enkele van de grotere stukken in de klas gemaakt en kleinere stukken gemaakt om te verkopen. Als je les gaat geven, moet je het ook kunnen. Studenten die kunst studeren, zijn visuele leerlingen.

7. WAT IS JE FILOSOFIE ALS LERAAR EN WAT IS DE EERSTE LES DIE JE JE STUDENTEN WILT ONTHOUDEN?

Wees authentiek. Probeer niemand anders te zijn dan jezelf. Als je iets hebt dat een kracht is, maak er dan het beste van. Als er gebieden zijn waarin u zwak bent, bespreek deze dan. Volg een kunstles of een cursus kleurenmengen. Accepteer het feit dat je je zwakke punten moet bestrijden en er het beste mee moet doen.

Blijf trouw aan wat je opwindt. Ik hou van tekenen en van abstracte schilderkunst, maar ik zie mezelf nooit een puur abstracte kunstenaar worden, omdat ik te veel van tekenen houd. Dit is voor mij als kunstenaar een belangrijk onderdeel.

Besluit niet dat u realistischer gaat tekenen om de omzet te verhogen als u dat niet wilt. Teken wat jou het meest motiveert en opwindt. Alles minder dan dit is niet je beste werk.

Werk aan je zwakke punten en bouw voort op je sterke punten. Ga na waar je echt om geeft en wees daar succesvol in. Verander niet om de markt tevreden te stellen, want je kunt nooit iedereen tevreden stellen. Daarom neem ik niet veel bestellingen aan. Ik wil niet het beeld van iemand anders schetsen en mijn naam erop zetten. Als je niet geïnteresseerd bent om iets te tekenen, doe het dan niet. Het is beter om hem te verlaten dan het risico te lopen je reputatie als kunstenaar te ruïneren.

Meer horen van Anne Kullaf? .