Galerij van Europese en Amerikaanse kunst in Moskou. 6 schilderijen die het bekijken waard zijn

Dit artikel is voor degenen die niet voor de eerste keer naar het Poesjkinmuseum gaan. Heb jij het meeste al gezien de belangrijkste meesterwerken van de kunstgalerijen van Europa en Amerika (dat deel uitmaakt van het Poesjkinmuseum en is gevestigd in een apart gebouw aan Volkhonka, 14 in Moskou). EN “Blauwe Dansers” van Degas. И “Jeanne Samari” Renoir. En de beroemde “Waterlelies” van Monet.

Nu is het tijd om de collectie dieper te verkennen. En let op minder gepromote meesterwerken. Maar het blijven meesterwerken. Allemaal dezelfde grote artiesten.

En zelfs degenen die je bij je eerste bezoek aan het museum omzeilde. Het is onwaarschijnlijk dat je toen stopte voor “Girls on the Bridge” Edvard Munch. Of "Jungle" Henri Rousseau. Laten we ze beter leren kennen.

1. Francisco Goya. Carnaval. 1810-1820

Er zijn slechts drie schilderijen van Francisco Goya in Rusland. Twee ervan bevinden zich in het Poesjkinmuseum (derde schilderij, “Portret van actrice Antonia Zarate” - in kluizenaarschap. Daarom is het de moeite waard om een ​​​​van hen te overwegen. Namelijk “Carnaval”.

In het buitenland is ze weinig bekend. Echter erg goyish. In zijn geest. Sinister, spottend. Het carnaval vindt overdag plaats. Maar het voelt alsof het nacht is op de foto. De ‘vierende’ mensen lijken zo eng. Het is alsof dit dronkaards en bandieten zijn die 's ochtends op pad gingen om problemen te veroorzaken.

Dit is misschien wel het donkerste carnaval ooit geschreven. Een dergelijke somberheid was kenmerkend voor alle late werken van Goya. Zelfs in kleurrijkere opdrachtwerken kon hij voorbodes van slechte dingen weergeven.

Ga zo maar door portret van de zoon van aristocraten hij beeldde katten af ​​met kwade ogen. Ze verpersoonlijken het kwaad van de wereld, dat ernaar streeft bezit te nemen van de onschuldige ziel van een kind.

2. Claude Monet. Sering in de zon. 1872

“Lilacs in the Sun” – de belichaming ervan impressionisme. Felle kleuren. Schittering van licht op kleding. Contrast van licht en schaduw. Gebrek aan precieze details. Het beeld lijkt door een sluier heen te gaan.

Als je van impressionisme houdt, laat dit schilderij je precies zien waarom.

Kleine kinderen nemen de wereld waar zonder details, alsof ze door dik water gaan. Tenminste, dit is hoe mensen die zich zichzelf herinneren op 2-3-jarige leeftijd, hun herinneringen beschrijven. Op deze leeftijd evalueren we alles veel emotioneler. Daarom vooral de werken van de impressionisten Claude Monet emoties bij ons oproepen. Bovenal gezellig natuurlijk.

"Lila in de zon" is geen uitzondering. Het maakt jou niet uit dat de gezichten van de vrouwen die onder de bomen zitten niet zichtbaar zijn. En meer nog, hun sociale status en het gespreksonderwerp zijn onverschillig. Je wordt overweldigd door emoties. Het verlangen om iets te analyseren zal niet ontwaken. Omdat je bent zoals in je kindertijd. Jij verheugt je. Je bent verdrietig. Je houdt van. Je maakt je zorgen.

Lees over een ander prachtig werk van Monet in Pushkinsky “Boulevard des Capucines. Ongebruikelijke feiten over het schilderij”.

3. Vincent van Gogh. Portret van dokter Ray. 1889

De laatste jaren van zijn leven was Van Gogh volledig overgeleverd aan de kleur. Het was in deze tijd dat hij zijn beroemde creëerde “Zonnebloemen.” Zelfs zijn portretten zijn erg helder. "Portret van dokter Ray" is geen uitzondering.

Blauwe jas. Groene achtergrond met geelrode wervelingen. Te ongebruikelijk voor de 19e eeuw. Natuurlijk waardeerde Dr. Ray het geschenk niet. Hij zag het als een absurd beeld van een geesteszieke patiënt. Ik gooide het op zolder. Daarna heeft hij het gat in het kippenhok er volledig mee bedekt.

In feite heeft Van Gogh zo'n von met opzet geschilderd. Kleur was zijn allegorische taal. Krullen en felle kleuren zijn de emoties van dankbaarheid die de kunstenaar jegens de dokter voelde.

Hij was het tenslotte die Van Gogh hielp omgaan met aanvallen van psychische aandoeningen na de beroemde gebeurtenis met zijn afgesneden oor. De dokter wilde zelfs de oorlel van de kunstenaar vastnaaien. Maar het duurde te lang om haar naar het ziekenhuis te brengen (Van Gogh gaf zijn oor aan een prostituee met de woorden “Dit kan nuttig voor je zijn”).

Lees meer over andere werken van de meester in het artikel "5 meesterwerken van Van Gogh."

4. Paul Cezanne. Perziken en peren. 1895

Paul Cézanne riep een boycot van fotografische beelden uit. Net als zijn tijdgenoten de impressionisten. Alleen als de impressionisten een vluchtige indruk afbeeldden, waarbij details werden verwaarloosd. Cezanne heeft deze gegevens aangepast.

Dit is duidelijk zichtbaar in zijn stilleven “Perziken en Peren”. Bekijk de foto eens beter. Je zult veel verdraaiingen van de werkelijkheid tegenkomen. Overtredingen van de wetten van de natuurkunde. Wetten van perspectief.

De kunstenaar geeft zijn eigen kijk op de werkelijkheid. Het is subjectief. En we kijken de hele dag vanuit verschillende hoeken naar hetzelfde object. Het blijkt dus dat de tafel vanaf de zijkant lijkt te worden getoond. En het tafelblad wordt bijna van bovenaf weergegeven. Het is alsof ze op ons valt.

Kijk naar de kruik. De tabellijn links en rechts ervan vallen niet samen. En het tafelkleed lijkt zelfs in het bord te ‘vloeien’. De afbeelding is als een puzzel. Hoe langer je kijkt, hoe meer vervormingen van de werkelijkheid je tegenkomt.

Het ligt op een steenworp afstand van Picasso's kubisme en primitivisme Matisse. Het is Cezanne die hun belangrijkste inspiratiebron is.

5. Edvard Munch. Meisjes op de brug. 1902-1903

De kenmerkende stijl van Edvard Munch werd beïnvloed door van Gogh. Net als Van Gogh gebruikt hij kleur en eenvoudige lijnen om zijn emoties uit te drukken. Alleen Van Gogh beeldde vreugde en verrukking meer uit. Munch – wanhoop, melancholie, angst. Zoals in de serie schilderijen “Schreeuw”.

“Girls on the Bridge” is ontstaan ​​naar het beroemde “Scream”. Ze lijken op elkaar. Brug, water, lucht. Dezelfde brede golven verf. Alleen in tegenstelling tot “Scream” brengt deze foto positieve emoties met zich mee. Het blijkt dat de kunstenaar niet altijd in de greep was van depressie en wanhoop. Soms brak de hoop door.

Het schilderij is geschilderd in de stad Åsgardstan. De kunstenaar hield heel veel van hem. Nu is alles eraan nog steeds hetzelfde. Als je daarheen gaat, vind je dezelfde brug en hetzelfde witte huis achter een wit hek.

6. Pablo Picasso. Viool. 1912

Picasso wist tijdens zijn leven in verschillende richtingen te werken. Al kennen velen hem als kubist. “The Violin” is een van zijn meest opvallende kubistische werken.

Picasso heeft de viool volledig in stukken 'gedemonteerd'. Je ziet het ene deel vanuit de ene hoek, het andere vanuit een heel andere hoek. Het is alsof de kunstenaar een spel met je speelt. Jouw taak is om de verschillende onderdelen mentaal in één object te stoppen. Hier is zo'n pittoreske rebus.

Zeer binnenkort zal Picasso, naast canvas en olieverf, stukjes krantenpapier en hout gaan gebruiken. Dit zal al een collage zijn. Deze evolutie is niet verrassend. In de 20e eeuw is het met behulp van technologie zo gemakkelijk om welk werk dan ook te zien en zelfs te reproduceren. En alleen een werk gemaakt van stukken van verschillende materialen wordt uniek. Het kan niet meer zo gemakkelijk worden gereproduceerd.

Lees in het artikel over een ander meesterwerk van de meester, dat in Pushkinsky wordt bewaard "Meisje op een bal" van Picasso. Waar vertelt de afbeelding over?

Als je het Poesjkin Museum nog een keer wilt bezoeken, dan heb ik mijn doel bereikt. Als je er nog nooit eerder bent geweest, begin dan met het bestuderen van de meesterwerken uit het artikel “7 schilderijen van het Poesjkinmuseum die het bekijken waard zijn.”

***

Reacties andere lezers zie hieronder. Ze zijn vaak een goede aanvulling op een artikel. U kunt ook uw mening geven over het schilderij en de kunstenaar, en de auteur een vraag stellen.