Foto's van Levitan. 5 meesterwerken van de kunstenaar-dichter

Er wordt gezegd dat Isaac Levitan een melancholicus was. En zijn schilderijen zijn een weerspiegeling van de angstige en haastige ziel van de kunstenaar. Dus hoe kan je zo'n aantal grote schilderijen van de meester verklaren?

En zelfs als we Levitans meer kleine schilderijen nemen, hoe slaagt hij erin om onze aandacht vast te houden? Ze hebben tenslotte bijna niets! Behalve misschien een paar dunne bomen en water met de lucht op driekwart van het doek.

Ze zeggen ook dat Levitan lyrische, poëtische schilderijen heeft gemaakt. Maar wat betekent het? En in het algemeen, waarom zijn zijn landschappen zo gedenkwaardig? Het zijn maar bomen, alleen gras...

Vandaag hebben we het over Levitan, over zijn fenomeen. Naar het voorbeeld van vijf van zijn uitmuntende meesterwerken.

Berken bos. 1885-1889

De zomerse zonnestralen versmelten prachtig met het groen en vormen een geel-wit-groen tapijt.

Een ongewoon landschap voor Russische kunstenaars. Te ongebruikelijk. Echt impressionisme. Veel zonneschijn. Lucht fladderen illusie. 

Laten we zijn schilderij eens vergelijken met Kuindzhi's Birch Grove. 

Bij Kuindzhi zien we een lage horizon. De berken zijn zo groot dat ze niet in het plaatje passen. Waarin de lijn prevaleert - alle details zijn duidelijk. En zelfs de highlights op de berken zijn goed gedefinieerd.

Zo ontstaat een algemene indruk van majestueuze, monumentale natuur.

In Levitan zien we een hogere horizon, de afwezigheid van de lucht. De lijn van de tekening is minder uitgesproken. Het licht in zijn foto voelt vrij, liggend met veel highlights op het gras en de bomen. 

Tegelijkertijd "snijdt" de kunstenaar ook de berken af ​​met een lijst. Maar om een ​​andere reden. De focus ligt op het gras. Daarom pasten de bomen niet helemaal.

Levitan heeft letterlijk een meer nuchtere kijk op de ruimte. Daarom ziet zijn aard er alledaags uit. Ze wil van elke dag genieten. Er zit geen plechtigheid van Kuindzhi in. Het brengt alleen eenvoudige vreugde.

Dit lijkt inderdaad sterk op de landschappen van de Franse impressionisten, die de schoonheid van de alledaagse natuur verbeeldden.

Maar ondanks de overeenkomsten was Levitan in één heel anders dan zij.

Het lijkt erop dat hij het schilderij snel schilderde, zoals bij de impressionisten gebruikelijk is. 30-60 minuten, terwijl de zon met macht in het gebladerte speelt.

In feite heeft de kunstenaar het werk lange tijd geschreven. Vier jaar! Hij begon te werken in 1885, in het gebied van Istra en Nieuw Jeruzalem. En hij studeerde af in 1889, al in Plyos, in een berkenbos aan de rand van de stad.

En het is verrassend dat het schilderij, geschilderd op verschillende plaatsen met zo'n lange pauze, het gevoel van het "hier en nu"-moment niet heeft verloren.

Ja, Levitan had een ongelooflijk geheugen. Hij kon terugkeren naar reeds beleefde indrukken en ze met dezelfde kracht lijken te herbeleven. En vanuit het hart deelde hij deze indrukken met ons.

Gouden herfst. 1889

Autumn Levitan flitste de helderste kleur. Bovendien waren de wolken mooi opgeklaard. Maar een beetje meer - en de wind zal snel de bladeren wegblazen en de eerste natte sneeuw zal vallen.

Ja, de kunstenaar slaagde erin de herfst op het hoogtepunt van zijn schoonheid vast te leggen.

Maar wat maakt dit Levitan-schilderij nog meer zo gedenkwaardig?

Laten we het vergelijken met het werk van Polenov over het thema herfst.

In Polenov zien we meer halftonen in herfstgebladerte. Het kleurenakkoord van Levitan is eentonig. En nog belangrijker - het is helderder.

Bovendien legt Polenov een dunne laag verf op. Levitan daarentegen gebruikt op sommige plaatsen zeer pasteuze streken, waardoor de kleur nog meer verzadigd wordt.

En hier komen we bij het belangrijkste geheim van de foto. De heldere, warme kleur van het gebladerte, versterkt door een dikke laag verf, contrasteert met het zeer koude blauw van de rivier en de lucht.

Dit is een zeer sterk contrast, dat Polenov niet heeft.

Het is deze herfstexpressie die ons aantrekt. Levitan leek ons ​​de ziel van de herfst te laten zien, warm en koud tegelijk.

Maart. 1895

Heldere wolkenloze hemel. En daaronder is niet helemaal witte sneeuw, te felle schittering van de zon op de planken bij de veranda, de kale grond van de weg.

Ja, Levitan is er zeker in geslaagd om alle tekenen van de op handen zijnde seizoenswisseling over te brengen. Nog steeds winter, maar afgewisseld met lente.

Laten we "Maart" vergelijken met het schilderij "In de winter" van Konstantin Korovin. Op beide sneeuw, een paard met brandhout, een huis. Maar hoe verschillend zijn ze!

De okerkleurige en blauwe tinten van Levitan maken de foto groots. Korovin heeft veel grijs. En alleen de mosterdtint van het brandhout brengt wat opleving.

Korovin heeft zelfs een zwart paard. Ja, en de snuit is van ons afgekeerd. En nu voelen we al de eindeloze opeenvolging van donkere koude winterdagen. En we voelen de vreugde van de komst van de lente bij Levitan nog meer.

Maar niet alleen dit maakt de foto "Maart" zo gedenkwaardig.

Let op: het is uitgestorven. Mensen zijn echter onzichtbaar aanwezig. Iemand heeft net een halve minuut geleden een paard met brandhout bij de ingang achtergelaten, de deur geopend en nooit meer gesloten. Blijkbaar ging hij niet lang mee.

Levitan hield er niet van om mensen te schrijven. Maar gaven bijna altijd hun aanwezigheid ergens in de buurt aan. In "maart" zelfs in de letterlijke zin. We zien voetafdrukken die van het paard naar het bos leiden.

Het is geen toeval dat Levitan een dergelijke techniek gebruikt. Zelfs zijn leraar Alexei Savrasov benadrukte hoe belangrijk het is om in elk landschap een menselijk stempel te drukken. Pas dan wordt het beeld levend en gelaagd.

Om één simpele reden: een boot bij de kust, een huis in de verte of een vogelhuisje in een boom zijn objecten die associaties oproepen. Dan begint het landschap te "praten" over de kwetsbaarheid van het leven, het comfort van thuis, eenzaamheid of eenheid met de natuur. 

Heb je tekenen van de aanwezigheid van een persoon opgemerkt op de vorige foto - "Gouden herfst"?

Bij de whirlpool. 1892

Daarvoor hebben we samen met u de belangrijkste landschappen van Levitan bekeken. Maar hij had ook veel kleine. Waaronder de afbeelding "Bij de whirlpool".

Gezien dit specifieke landschap van Levitan, is het het gemakkelijkst om verdriet, melancholie en zelfs angst te voelen. En dit is het meest verbazingwekkende. Op de foto gebeurt er immers niets! Er zijn geen mensen. Niet de meer goblin met zeemeerminnen.

Wat maakt het landschap zo dramatisch?

Ja, de foto heeft een donkere kleur: een bewolkte lucht en een donker bos. Maar dit alles wordt versterkt door een speciale compositie.

Er wordt een pad uitgetekend dat de kijker als het ware uitnodigt om er langs te lopen. En nu loop je mentaal al langs een wankel bord, dan langs boomstammen die glibberig zijn van vocht, maar er is geen reling! Je kunt vallen, maar diep: het zwembad is hetzelfde.

Maar als je passeert, leidt de weg naar een dicht, donker bos. 

Laten we "At the Pool" eens vergelijken met het schilderij "Forest Distances". Dit zal ons helpen alle angst van de foto in kwestie te voelen.

Het lijkt erop dat het pad ons ook het bos in lokt en op de foto links. Maar tegelijkertijd bekijken we het van bovenaf. We voelen de vriendelijkheid van dit bos dat zich plichtsgetrouw onder de hoge hemel uitstrekt. 

Het bos op het schilderij "Bij het zwembad" is heel anders. Hij lijkt je te willen absorberen en niet meer los te laten. Al met al zorgwekkend...

En hier wordt nog een ander geheim van Levitan onthuld, dat helpt om landschappen zo poëtisch te maken. Het schilderij "Bij het zwembad" beantwoordt deze vraag gemakkelijk.

Angst kan worden afgebeeld in het voorhoofd, met de hulp van een emotioneel depressief persoon. Maar het is als proza. Maar het gedicht zal over verdriet praten met hints en het creëren van niet-standaard afbeeldingen.

Dus de afbeelding van Levitan alleen met speciale hints uitgedrukt in de details van het landschap leidt tot dit onaangename gevoel.

De lente. Groot water. 1897

De ruimte van het schilderij 'Lente. Big Water" sneed door de lijnen van dunne bomen en hun weerspiegeling in het water. De kleur is bijna monochroom en de details zijn minimaal.

Desondanks is het beeld ook poëtisch en emotioneel.

Hier zien we het vermogen om in een paar woorden het belangrijkste te zeggen, een geweldig werk op twee snaren te spelen, om de schoonheid van de magere Russische natuur uit te drukken met behulp van twee kleuren.

Alleen de meest getalenteerde meesters kunnen dit. Dat zou Levitan ook kunnen. Hij studeerde onder Savrasov. Hij was de eerste in de Russische schilderkunst die niet bang was om de magere Russische natuur weer te geven.

Dus wat is het geheim van de aantrekkelijkheid van Levitan's "Lente"?

Het draait allemaal om oppositie. Dunne, zeer dunne bomen - tegen elementen als een sterke vloed van de rivier. En nu is er een knagend gevoel van angst. Daarnaast liepen op de achtergrond meerdere schuren onder water.

Maar tegelijkertijd is de rivier kalm en zal hij zich op een dag toch terugtrekken, dit incident is cyclisch en voorspelbaar. Angst heeft geen zin.

Dit is natuurlijk niet de pure vreugde van de Birch Grove. Maar niet de allesoverheersende angst van het schilderij "At the Pool". Het is als het alledaagse drama van het leven. Wanneer de zwarte streep zeker wordt vervangen door wit.

***

Samenvattend over Levitan

Levitan was geen impressionist. Ja, en lange tijd aan de schilderijen gewerkt. Maar hij gebruikte gewillig enkele van de picturale technieken van deze richting, bijvoorbeeld brede pasteuze streken.

Levitan wilde altijd al iets meer laten zien dan alleen de relatie tussen licht en schaduw. Hij creëerde picturale poëzie.

Er zijn weinig externe effecten in zijn schilderijen, maar er is een ziel. Met verschillende hints roept hij associaties op bij de kijker en zet hij aan tot reflectie.

En Levitan was niet bepaald een melancholicus. Immers, hoe kwam hij dan aan zulke grote werken als "Birch Grove" of "Golden Autumn"?

Hij was zeer gevoelig en ervoer een zeer breed scala aan emoties. Daarom kon hij zich ongecontroleerd verheugen en eindeloos verdrietig zijn.

Deze emoties scheurden hem letterlijk in het hart - hij kon ze niet altijd aan. En het bleef niet duren. De kunstenaar heeft zijn 40e verjaardag niet slechts een paar weken meegemaakt ...

Maar hij liet niet alleen prachtige landschappen na. Het is een weerspiegeling van zijn ziel. Nee, in feite onze ziel.

***

Reacties andere lezers zie hieronder. Ze zijn vaak een goede aanvulling op een artikel. U kunt ook uw mening geven over het schilderij en de kunstenaar, en de auteur een vraag stellen.