Lineair perspectief in de schilderkunst. Belangrijkste geheimen
Inhoud:
De overgrote meerderheid van schilderijen en fresco's van de afgelopen 500 jaar zijn gemaakt volgens de regels van lineair perspectief. Zij is het die helpt om 2D-ruimte om te zetten in een 3D-beeld. Dit is de belangrijkste techniek waarmee kunstenaars de illusie van diepte creëren. Maar lang niet altijd volgden de meesters alle regels van perspectiefconstructie.
Laten we een paar meesterwerken bekijken en zien hoe kunstenaars op verschillende tijdstippen ruimte bouwden door middel van lineair perspectief. En waarom braken ze soms sommige van haar regels.
Leonardo da Vinci. Het laatste Avondmaal
Tijdens de Renaissance werden de principes van direct lineair perspectief ontwikkeld. Als kunstenaars daarvoor de ruimte intuïtief en met het oog bouwden, leerden ze in de XNUMXe eeuw hoe ze die wiskundig nauwkeurig konden bouwen.
Leonardo da Vinci wist aan het einde van de XNUMXe eeuw al heel goed hoe je ruimte op een vliegtuig moest bouwen. Op zijn fresco "Het Laatste Avondmaal" zien we dit terug. Perspectieflijnen zijn gemakkelijk te tekenen langs de lijnen van het plafond en de gordijnen. Ze verbinden op één verdwijnpunt. Door hetzelfde punt passeert de horizonlijn, of de lijn van de ogen.
Wanneer de echte horizon op de foto wordt afgebeeld, passeert de lijn van de ogen net op de kruising van hemel en aarde. Tegelijkertijd bevindt het zich meestal in het gebied van de gezichten van de personages. Dit alles zien we op het fresco van Leonardo.
Het verdwijnpunt bevindt zich in het gebied van het aangezicht van Christus. En de lijn van de horizon gaat door zijn ogen, evenals door de ogen van enkele van de apostelen.
Dit is een tekstboekconstructie van ruimte, gebouwd volgens de regels van DIRECT lineair perspectief.
En deze ruimte is gecentreerd. De horizonlijn en de verticale lijn die door het verdwijnpunt gaan, verdelen de ruimte in 4 gelijke delen! Deze constructie weerspiegelde het wereldbeeld van die tijd met een sterk verlangen naar harmonie en balans.
Daarna zal een dergelijke constructie steeds minder voorkomen. Voor kunstenaars lijkt dit een te simpele oplossing. zij zijnblaas en verschuif de verticale lijn met het verdwijnpunt. En de horizon verhogen of verlagen.
Zelfs als we een kopie nemen van het werk van Raphael Morgen, gemaakt aan het begin van de XNUMXe-XNUMXe eeuw, zullen we zien dat hij niet ... zo'n centriciteit kon weerstaan en de horizonlijn hoger verschoof!
Maar in die tijd was het bouwen van een ruimte als die van Leonardo een ongelooflijke doorbraak in de schilderkunst. Als alles nauwkeurig en perfect is geverifieerd.
Laten we dus eens kijken hoe de ruimte vóór Leonardo werd afgebeeld. En waarom zijn "Laatste Avondmaal" iets bijzonders leek.
antieke fresco
Oude kunstenaars beeldden de ruimte intuïtief af, gebruikmakend van het zogenaamde waarnemingsperspectief. Daarom zien we duidelijke fouten. Als we perspectieflijnen langs gevels en vlakken trekken, vinden we maar liefst drie verdwijnpunten en drie horizonlijnen.
Idealiter zouden alle lijnen op één punt moeten samenkomen, dat zich op dezelfde horizonlijn bevindt. Maar aangezien de ruimte intuïtief was gebouwd, zonder de wiskundige basis te kennen, bleek het zo te zijn.
Maar je kunt niet zeggen dat het pijn doet aan het oog. Feit is dat alle verdwijnpunten op dezelfde verticale lijn liggen. Het beeld is symmetrisch en de elementen zijn aan beide zijden van de verticaal bijna hetzelfde. Dit is wat een fresco evenwichtig en esthetisch mooi maakt.
In feite komt zo'n beeld van de ruimte dichter bij de natuurlijke waarneming. Het is immers moeilijk voor te stellen dat een mens stilstaand vanuit één punt naar het stadsbeeld kan kijken. Alleen op deze manier kunnen we zien wat wiskundig lineair perspectief ons biedt.
U kunt immers staand, zittend of vanaf het balkon van het huis naar hetzelfde landschap kijken. En dan is de horizonlijn lager of hoger... Dit is wat we waarnemen op een antiek fresco.
Maar tussen het antieke fresco en Leonardo's Laatste Avondmaal zit een grote laag kunst. Iconografie.
De ruimte op de iconen was anders afgebeeld. Ik stel voor om de "Heilige Drie-eenheid" van Rublev te bekijken.
Andrej Roelev. De Heilige Drievuldigheid.
Als we naar Rublev's icoon "Holy Trinity" kijken, vallen we meteen één kenmerk op. De objecten op de voorgrond zijn duidelijk NIET getekend volgens de regels van direct lineair perspectief.
Als je perspectieflijnen tekent bij de linker voetenbank, zullen ze ver buiten het pictogram aansluiten. Dit is het zogenaamde REVERSE lineaire perspectief. Wanneer de andere kant van het object breder is dan de kant die zich het dichtst bij de kijker bevindt.
Maar de perspectieflijnen van de staander rechts zullen elkaar nooit snijden: ze lopen parallel aan elkaar. Dit is een AXONOMETRISCH lineair perspectief, wanneer objecten, vooral niet erg langwerpig in diepte, worden afgebeeld met zijden evenwijdig aan elkaar.
Waarom heeft Rublev objecten op deze manier afgebeeld?
Academicus B.V. Raushenbakh bestudeerde in de jaren 80 van de twintigste eeuw de kenmerken van het menselijk gezichtsvermogen en vestigde de aandacht op één kenmerk. Als we heel dicht bij een object staan, nemen we het waar in een licht omgekeerd perspectief, of we merken geen perspectiefveranderingen op. Dit betekent dat ofwel de zijde van het object dat zich het dichtst bij ons bevindt iets kleiner lijkt dan de verre, ofwel dat de zijkanten hetzelfde zijn. Dit alles geldt ook voor het observatieperspectief.
Dit is trouwens de reden waarom kinderen objecten vaak in omgekeerd perspectief tekenen. En cartoons met zo'n ruimte nemen ze ook makkelijker waar! U ziet: objecten uit Sovjet-cartoons worden op deze manier afgebeeld.
Kunstenaars vermoedden intuïtief over dit kenmerk van het gezichtsvermogen lang voor de ontdekking van Rauschenbach.
Dus de meester van de XNUMXe eeuw bouwde de ruimte, zo lijkt het, volgens alle regels van direct lineair perspectief. Maar let op de steen op de voorgrond. Het is afgebeeld in een licht omgekeerd perspectief!
De kunstenaar gebruikt zowel directe als omgekeerde perspectieven in één werk. En in het algemeen doet Rublev hetzelfde!
Als de voorgrond van de ikoon wordt afgebeeld binnen het kader van een waarnemingsperspectief, dan wordt op de achtergrond van de ikoon het gebouw afgebeeld volgens de regels van ... direct perspectief!
Net als de oude meester werkte Rublev intuïtief. Daarom zijn er twee lijnen van ogen. We bekijken de kolommen en de ingang van de portiek vanaf hetzelfde niveau (ooglijn 1). Maar op het plafondgedeelte van de portiek - van de andere (ooglijn 2). Maar het is nog steeds een direct perspectief.
Nu snel vooruit naar de 100e eeuw. Op dit punt was het lineaire perspectief zeer goed bestudeerd: er waren meer dan XNUMX jaar verstreken sinds de tijd van Leonardo. Laten we eens kijken hoe het werd gebruikt door de kunstenaars van die tijd.
Jan Vermeer. Muziek les
Het is duidelijk dat de kunstenaars van de XNUMXe eeuw het lineaire perspectief al meesterlijk beheersten.
Zie je, de rechterkant van het schilderij van Jan Vermeer (rechts van de verticale as) is kleiner dan de linkerkant?
Als in Leonardo's Laatste Avondmaal de verticale lijn precies in het midden ligt, dan verschuift deze bij Vermeer al naar rechts. Daarom kan het perspectief van Leonardo CENTRAAL worden genoemd, en Vermeer - SIDE.
Vanwege dit verschil zien we in Vermeer twee muren van de kamer, in Leonardo - drie.
In feite worden gebouwen sinds de XNUMXe eeuw vaak op deze manier afgebeeld, met behulp van een LATERAAL lineair perspectief. Daarom zien kamers of zalen er realistischer uit. Leonardo's centrale positie is veel zeldzamer.
Maar dit is niet het enige verschil tussen de perspectieven van Leonardo en Vermeer.
In Het Laatste Avondmaal kijken we rechtstreeks naar de tafel. Er zijn geen andere meubels in de kamer. En als er een stoel aan de zijkant stond, schuin naar ons toe gegooid? In dit geval zouden de veelbelovende lijnen inderdaad ergens buiten het fresco gaan ...
Ja, in elke kamer is alles in de regel ingewikkelder dan dat van Leonardo. Daarom is er ook een HOEKIG perspectief.
Leonardo heeft het puur FRONTAAL. Het teken is slechts één verdwijnpunt, dat zich in de afbeelding bevindt. Daarin komen alle perspectieflijnen samen.
Maar in de kamer van Vermeer zien we een staande stoel. En als je veelbelovende lijnen langs zijn stoel trekt, zullen ze ergens buiten het canvas aansluiten!
En let nu eens op de vloer bij Vermeer's werk!
Als je lijnen trekt langs de zijkanten van de vierkanten, dan zullen de lijnen samenkomen ... ook buiten de afbeelding. Deze lijnen hebben hun eigen verdwijnpunten. Maar! Elk van de lijnen bevindt zich op dezelfde horizonlijn.
Zo verbindt Vermeer het frontale perspectief met het hoekige. En de stoel wordt ook weergegeven met behulp van een hoekig perspectief. En de perspectieflijnen komen samen op een verdwijnpunt op een enkele horizonlijn. Hoe wiskundig mooi!
Over het algemeen is het met behulp van de horizonlijn en verdwijnpunten heel gemakkelijk om elke vloer in een kooi te tekenen. Dit is het zogenaamde perspectiefraster. Het blijkt altijd heel realistisch en spectaculair.
En vanaf deze verdieping is het altijd gemakkelijk te begrijpen dat het schilderij vóór de tijd van Leonardo is geschilderd. Want zonder te weten hoe je een perspectiefraster moet bouwen, lijkt de vloer altijd ergens te bewegen. Over het algemeen niet erg realistisch.
Laten we nu verder gaan naar de volgende, de XNUMXe eeuw.
Jean-Antoine Watteau. Uithangbord van de winkel van Gersin.
In de XNUMXe eeuw werd het lineaire perspectief tot in de perfectie beheerst. Dit is duidelijk te zien in het voorbeeld van Watteau's werk.
Perfect ontworpen ruimte. Zo fijn om mee te werken. Alle perspectieflijnen verbinden op één verdwijnpunt.
Maar er is een heel interessant detail op de foto ...
Let op het vakje in de linkerhoek. Daarin plaatst een galeriemedewerker een foto voor de koper.
Als je perspectieflijnen langs de twee zijden trekt, dan zullen ze aansluiten op ... een andere lijn van ogen!
Inderdaad, de ene kant ervan staat in een scherpe hoek en de andere staat bijna loodrecht op de lijn van de ogen. Als je dit hebt gezien, kun je deze vreemdheid niet negeren.
Dus waarom ging de kunstenaar naar zo'n duidelijke schending van de wetten van het lineaire perspectief?
Sinds de tijd van Leonardo is bekend dat lineair perspectief het beeld van objecten op de voorgrond (waar perspectieflijnen onder een bijzonder scherpe hoek naar het verdwijnpunt gaan) aanzienlijk kan vervormen.
Op deze XNUMXe-eeuwse tekening is dat goed te zien.
De basis van de kolommen aan de rechterkant zijn vierkant (met gelijke zijden). Maar door de sterke helling van de lijnen van het perspectiefraster wordt de illusie gewekt dat ze rechthoekig zijn! Om dezelfde reden lijken de kolommen, met een ronde diameter, aan de linkerkant ellipsvormig.
In theorie zouden de ronde toppen van de kolommen aan de linkerkant ook vervormd moeten zijn en in ellipsoïden veranderen. Maar de kunstenaar beeldde ze af als rond, vanuit een observatieperspectief.
Evenzo ging Watteau over tot overtreding van de regels. Als hij alles goed had gedaan, dan zou de doos aan de achterkant te smal zijn gebleken.
Dus keerden de kunstenaars terug naar het observatieperspectief en concentreerden ze zich op hoe het onderwerp er organischer uit zou zien. En ging bewust naar enkele overtredingen van de regels.
Laten we nu naar de XNUMXe eeuw gaan. En laten we deze keer eens kijken hoe de Russische kunstenaar Ilya Repin lineaire en observationele perspectieven combineerde.
Ilja Repin. Heb niet gewacht.
Op het eerste gezicht bouwde de kunstenaar de ruimte volgens het klassieke schema. Alleen de verticaal wordt naar links verschoven. En als je het je herinnert, probeerden kunstenaars na de tijd van Leonardo overmatige centrering te vermijden. In dit geval is het gemakkelijker om de helden langs de rechtermuur te "plaatsen".
Merk ook op dat de hoofden van de twee hoofdpersonen - zoon en moeder - in perspectief staan. Ze worden gevormd door perspectieflijnen die langs de plafondlijnen naar het verdwijnpunt lopen. Dit benadrukt de bijzondere relatie en zelfs, zou je kunnen zeggen, de relatie van de personages.
En zie ook hoe slim Ilya Repin het probleem van perspectiefvervormingen onderaan de foto oplost. Rechts plaatst hij ronde voorwerpen. Er hoeft dus niets te worden uitgevonden met de hoeken, zoals Watteau met zijn doos moest doen.
En Repin maakt weer een interessante stap. Als we perspectieflijnen langs de vloerplaten trekken, krijgen we iets raars!
Ze zullen niet samenkomen op een enkel verdwijnpunt!
De kunstenaar heeft bewust gekozen voor het gebruik van observationeel perspectief. Daarom lijkt de ruimte interessanter, niet zo schematisch.
En nu gaan we naar de XNUMXe eeuw. Ik denk dat je al vermoedt dat de meesters van deze eeuw niet bepaald op ceremonie met ruimte stonden. We zullen hiervan overtuigd zijn door het voorbeeld van het werk van Matisse.
Henri Matisse. Rode werkplaats.
Al op het eerste gezicht is duidelijk dat Henri Matisse de ruimte op een bijzondere manier in beeld bracht. Hij week duidelijk af van de kanunniken die in de Renaissance waren gevormd. Ja, zowel Watteau als Repin maakten ook enkele onnauwkeurigheden. Maar Matisse streefde duidelijk een aantal andere doelen na.
Het is meteen duidelijk dat Matisse een deel van de objecten in direct perspectief (tafel) en sommige in omgekeerde richting (stoel en ladekast) toont.
Maar de functies eindigen daar niet. Laten we de perspectieflijnen van de tafel, stoel en afbeelding op de linkermuur tekenen.
En dan vinden we meteen DRIE horizonten. Een ervan staat buiten de afbeelding. Er zijn ook DRIE verticalen!
Waarom maakt Matisse de zaken zo ingewikkeld?
Houd er rekening mee dat de stoel er aanvankelijk op de een of andere manier vreemd uitziet. Alsof we van links naar de bovenste dwarsbalk van zijn rug kijken. En voor de rest van het deel - aan de rechterkant. Kijk nu naar de items op de tafel.
Het gerecht ligt alsof we er van bovenaf naar kijken. De potloden zijn iets naar achteren gekanteld. Maar we zien een vaas en een glas vanaf de zijkant.
We kunnen dezelfde eigenaardigheden opmerken in de afbeelding van schilderijen. Degenen die hangen, kijken ons recht aan. Zoals de staande klok. Maar de schilderijen tegen de muur zijn een beetje zijwaarts afgebeeld, alsof we ze vanuit de rechterhoek van de kamer bekijken.
Het lijkt erop dat Matisse niet wilde dat we de kamer vanuit één plek, vanuit één hoek bekeken. Hij lijkt ons door de kamer te leiden!
Dus gingen we naar de tafel, bogen ons over het gerecht en bekeken het. Om de stoel gelopen. Toen gingen we naar de verre muur en keken naar de schilderijen die hangen. Toen sloegen ze hun blik naar links, naar de werken die op de grond stonden. Enzovoort.
Het blijkt dat Matisse het lineaire perspectief niet heeft verbroken! Hij schilderde de ruimte eenvoudigweg vanuit verschillende hoeken, vanuit verschillende hoogtes.
Mee eens, het is fascinerend. Alsof de kamer tot leven komt, ons omhult. En de rode kleur hier versterkt dit effect alleen maar. Kleur helpt de ruimte ons naar binnen te trekken...
.
Zo gaat het altijd. Eerst worden de regels gemaakt. Dan beginnen ze ze te breken. Eerst verlegen, dan brutaler. Maar dit is natuurlijk geen doel op zich. Dit helpt om het wereldbeeld van zijn tijd over te brengen. Voor Leonardo is dit het verlangen naar balans en harmonie. En voor Matisse - beweging en een heldere wereld.
Over de geheimen van het bouwen van ruimte - in de cursus "Dagboek van een kunstcriticus".
***
Speciale dank voor de hulp bij het schrijven van het artikel aan Sergey Cherepakhin. Zijn vermogen om met de nuances van perspectiefconstructies in de schilderkunst om te gaan, inspireerde mij tot het maken van deze tekst. Hij werd zijn co-auteur.
Als je geïnteresseerd bent in het onderwerp lineair perspectief, schrijf dan naar Sergey (cherepahin.kd@gmail.com). Hij deelt graag zijn materiaal over dit onderwerp (inclusief de schilderijen die in dit artikel worden genoemd).
***
Als mijn manier van presenteren je aanspreekt en je interesse hebt om schilderen te studeren, kan ik je een gratis serie lessen per post sturen. Vul hiervoor een eenvoudig formulier in via deze link.
Reacties andere lezers zie hieronder. Ze zijn vaak een goede aanvulling op een artikel. U kunt ook uw mening geven over het schilderij en de kunstenaar, en de auteur een vraag stellen.
Online kunstcursussen
Engels versie
***
Links naar reproducties:
Laat een reactie achter